Freude und Wut im Gleichgewicht: Die Kunst von Lorraine O’Grady

O’Grady wurde in Boston als zweite Tochter jamaikanischer Einwanderer geboren. Sie wuchs in Roxbury auf, einem Viertel neu angekommener schwarzer, irischer und jüdischer Bevölkerung, nur wenige Blocks von der Hauptfiliale der Stadt, der Boston Public Library und dem Museum of Fine Arts entfernt

Ein vom Brooklyn Museum zur Verfügung gestelltes Foto; Jonathan Dorado zeigt die Installationsansicht Lorraine O'Grady: Both/And, mit einem Video ihrer gemischtrassigen Haare, zwischen Landschaften von Frederic Church und Thomas Cole, fünfter Stock, Brooklyn Museum in New York. Eine Umfrage im Museum strahlt große Empörung aus, findet doch Schönheit und Stärke in unterschiedlichen Identitäten. (Brooklyn Museum; Jonathan Dorado über The New York Times)

Geschrieben von Holland Cotter

In den 1960er Jahren nahmen einige von uns Drogen, suchten nach Geschlechtern und probierten globale Religionen aus, um uns von dem zu befreien, was wir als binäres Denken im westlichen Stil betrachteten, eine Weltsicht, die auf strikt gehaltenen Gut-Schlecht-Gegensätzen beruht : Weiß gegen Schwarz, Hetero gegen Schwul, wir gegen sie. Fünf Jahrzehnte später regiert solches Denken immer noch in einer rot-blauen Nation, was die Retrospektive von Lorraine O’Gradys Karriere im Brooklyn Museum zu einem großen korrigierenden Ereignis macht.

Ihren eigenen Widerstand gegen entweder/oder zeigt die Künstlerin schon im Titel ihrer Ausstellung: Lorraine O’Grady: Both/And. Während ihrer langen Karriere – sie ist jetzt 86 Jahre alt – hat sie ihre Kunst konsequent nach einem anderen Modell geformt, einem ausgewogenen Hin- und Her-Paaren: persönlich und politisch; Heimat und Welt; Wut und Freude; grundsolide Ideen und eine leichte formale Note.

Obwohl die Organisatoren der Ausstellung – Catherine Morris, eine leitende Kuratorin des Museums; Schriftstellerin Aruna D’Souza; und Jenée-Daria Strand, eine kuratorische Assistentin – haben ihre Kunst durch mehrere Galerien auf vier Etagen geflochten, wir sind hier nicht im Blockbuster-Land. Der Großteil dieser Umfrage könnte wahrscheinlich in ein paar Handgepäckkoffer gequetscht werden. Die meisten ihrer Hauptwerke waren einmalige Performances, die heute als Fotografien und handschriftliche Notizen überliefert sind.

Schreiben ist ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit. Ihr frühestes Projekt aus dem Jahr 1977 und ihr Debüt als bildende Künstlerin ist eine Sammlung von Collagen-Gedichten, die sich aus Phrasen zusammensetzen, die aus Ausgaben der New York Times stammen. Ihre Anwesenheit, zusammen mit Fällen von Archivmaterial – vergilbte Buchstaben, Listen, Diagramme, Erklärungen – machen die Show zu einem Verlangsamungserlebnis, einer ballaststoffreichen Mahlzeit nach einem Pandemiejahr, das Online-Augenschmaus begünstigt.

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Und ihre Kunst ist das Produkt einer strukturierten persönlichen Geschichte mit wenigen geraden Linien. O’Grady wurde in Boston als zweite Tochter jamaikanischer Einwanderer geboren. Sie wuchs in Roxbury auf, einem Viertel neu angekommener schwarzer, irischer und jüdischer Bevölkerung, nur wenige Blocks von der Hauptfiliale der Stadt der Boston Public Library und dem Museum of Fine Arts entfernt. Als Kind verbrachte O’Grady viel Zeit mit beiden, wobei ihr frühes Interesse auf Literatur gerichtet war.

Ein Foto von Garrett Bradley und dem Museum of Modern Art; Robert Gerhardt zeigt eine Szene aus dem Lime Kiln Club Field Day, einem unveröffentlichten Film von 1914, der in Garrett Bradleys America, ihrer Videoinstallation auf vier Leinwänden, im Museum of Modern Art in New York ausgeschnitten ist. Bradleys aufwendige Videoinstallation, die stille und bemerkenswerte Momente im schwarzen Leben des frühen 20. Jahrhunderts nachstellt, befindet sich im MoMA. (Garrett Bradley und The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt über The New York Times).

Nach ihrem College-Abschluss, wo sie Volkswirtschaftslehre und Sprachen studierte, begann sie eine Karriere, die sich auf das Schreiben von Episoden konzentrierte. Sie arbeitete als Forscherin und Übersetzerin für das Arbeitsministerium in Washington und zog dann nach Europa, um einen Roman zu schreiben. In den frühen 1970er Jahren war sie in New York City mit Rockkritiken für The Village Voice und unterrichtete Kurse über Dada und surrealistisches Schreiben an der School of Visual Arts. Ihr Leben war eindeutig sowohl als auch, zu dem sie 1977 das Kunstschaffen hinzufügte.

Dies begann fast zufällig. Nach einem medizinischen Eingriff in diesem Jahr bedankte sie sich bei ihrem Arzt mit einem selbstgemachten Valentinsgruß: einem mehrseitigen Collage-Gedicht mit Sätzen, die sie aus der Sunday New York Times ausgeschnitten hatte. Dann machte sie für sich selbst in den nächsten sechs Monaten zwei Dutzend. Drei der Originale befinden sich im vierten Stock des Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, wo der größte Teil der Ausstellung installiert ist. In diesem Zusammenhang erscheinen sie als Sinnbild für ein Leben, das bis zu diesem Zeitpunkt selbst eine Collage von Interessen und Einflüssen war.

Der nächste logische Schritt war, sich der professionellen Szene vorzustellen. Was sie vorfand, waren Ebenen der De-facto-Segregation. Die überwiegend weiße Mainstream-Kunstwelt hatte für sie als selbsternannte karibische Afroamerikanerin keine Zeit. Die kleine, engmaschige, meist männliche schwarze Kunstwelt hatte für sie als Frau wenig Platz. Die weiße, feministische Kunstbewegung der Mittelklasse gewährte Zutritt, hielt sie jedoch auf Distanz.

Bezeichnenderweise war ihre Reaktion eher, als sich zurückzuziehen, und sie tat dies durch die Kunst: Auftritte im Guerilla-Stil in der Rolle der Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle Class), einer alternden, aber lebhaften und mundgerechten Schönheitskönigin, die ein Kleid trug aus formellen weißen Handschuhen genäht und uneingeladen bei öffentlichen Kunstveranstaltungen aufgetaucht.

In diesem Gewand stürzte sie 1980 eine Eröffnung in Just Above Midtown, einer Galerie in Manhattan mit einem komplett schwarzen Kader, und rief, Schwarze Kunst müsse mehr Risiken eingehen! Im Anschluss daran trat sie bei der Eröffnung einer ganz in Weiß gehaltenen Performance-Kunstausstellung im Neuen Museum auf, wo sie den Anspruch der Institution als alternativer Raum in Frage stellte und erklärte, dass eine Invasion unmittelbar bevorstehe.

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Das weiße Handschuhkleid von Mlle Bourgeoise Noire ist in der Brooklyn-Show zu sehen, ebenso wie eine Reihe von Fotografien, die ihren Auftritt im New Museum dokumentieren. Diese mittlerweile klassischen Gesten der schwarzen feministischen Raumforderung, die hohe Empörung und hinterhältigen Humor ausstrahlen, fühlen sich ihrer Zeit um Jahre voraus, ebenso wie ein paar Jahre später eine zweite große Performance-Arbeit.

1983 beschloss O’Grady, das Gegenteil zu demonstrieren, indem er an der Afro-American Day Parade in Harlem teilnahm, nachdem ihm eine Kollegin der feministischen Bewegung gesagt hatte, dass Avantgarde-Kunst nichts mit Schwarzen zu tun habe. Für ein Performance-Stück mit dem Titel Art Is … mietete sie einen Wagen und Darsteller, die darauf fuhren, die jeweils einen leeren vergoldeten Bilderrahmen trugen. Als der Wagen den Adam Clayton Powell Jr. Boulevard hinauffuhr, stiegen die Darsteller auf die Straße hinab und luden die Zuschauer ein, für Fotografien innerhalb der Rahmen zu posieren, die in Kunst verwandelt werden. Das Stück war ein Hit. Menschen, die sich porträtieren ließen, waren – das sieht man auf Fotos – ausgelassen. (Und es ist immer noch ein Hit: Es inspirierte ein Video, das von der Biden-Harris-Kampagne 2020 produziert wurde.)

Auch O’Grady saß lächelnd auf dem Wagen und beobachtete, wie sich dieses sehr öffentliche Werk der Konzeptkunst entfaltete. Mein Lieblingsstück ihrer Aufführung stammt jedoch aus einem Jahr zuvor und war privater. Mit dem Titel Rivers, First Draft oder The Woman in Red ist es eine Art halb-autobiografischer Pilgrim’s Progress. An einem Sommertag in einer abgelegenen Ecke des Central Parks inszeniert, spielt das Stück symbolisch Szenen aus dem Leben des Künstlers nach. Ein ganz in Weiß gekleideter Schauspieler spielt ihre unnahbare, tadellose Mutter; ein anderer spielt O’Grady als verträumtes, buchstäbliches Kind. Und die in Leidenschaftsrot gekleidete Künstlerin spielt eine Version ihres sich verändernden erwachsenen Ichs. Traumata werden inszeniert – romantische Verluste, politische Auseinandersetzungen, sogar eine Vergewaltigung –, aber die Erzählung, die wie ein mittelalterliches Mysterienspiel vor sich geht und in 48 Farbfotos festgehalten wird, endet mit einem rituellen Waten durch heilendes Wasser und einem Zustand, der sich wie ein Zustand des Friedens anfühlt.

Familie ist das wiederkehrende Thema dieses Künstlers. Und Miscegenated Family Album (1980/1994), vielleicht ihr bekanntestes Werk, besteht aus gepaarten Bildern von zwei von ihnen: Königin Nofretete und ihre Kinder, die in Skulpturen der 18. Dynastie dargestellt sind, und O'Gradys ältere Schwester Devonia, die starb 1962, Kinder zurücklassend, wie auf Familienfotos zu sehen.

winzige, lange, dünne schwarze Käfer

Das Stück, das in den Galerien für altägyptische Kunst im dritten Stock des Museums ausgestellt ist, ist eine Meditation über menschliche Verbindungen – Schwesternschaft, Mutterschaft, Altern – im Laufe der Zeit. Aber es geht auch um eine unsterbliche Geschichte des Rassismus: Westliche Historiker haben die altägyptische Kultur traditionell als zu klassisch/weiß angesehen, um afrikanisch zu sein, und zu afrikanisch/schwarz, um europäisch zu sein. O’Grady und ihre biracial jamaikanisch-bostonische Familie werden einer ähnlichen Vorhölle zugeteilt, die zwischen Identitäten – Afrikaner, Amerikaner, Afroamerikaner, Karibik – schweben lässt, ohne in einer Entweder-Oder-Welt verankert zu sein.

Die Tatsache, dass sie an all diesen Identitäten teilhaben und dies eine Quelle ihrer Schönheit und Stärke ist, scheint die Botschaft des einzigen Videos der Ausstellung zu sein, Landscape (Western/Hemisphere), das 2010/2011 gedreht wurde. Das Video wurde in den Galerien von Arts of the Americas im fünften Stock installiert und ist zwischen großartigen, landeinnehmenden Gemälden von Frederic Church und Thomas Cole mit Blick auf die Neue Welt angesiedelt. Tatsächlich ist es eine Nahaufnahme von O’Gradys gemischtrassigen Haaren, um D’Souzas Beschreibung im Katalog auszuleihen. Mit seinen dunklen und hellen Schattierungen und Farben und seinen gewellten und geraden Texturen ist es ein verkörpertes Beispiel für beides.

D’Souza ist nicht nur Co-Kurator der Retrospektive, sondern auch Herausgeber von Lorraine O’Grady: Writing in Space, 1973-2019, einem Buch mit den Schriften des Künstlers, das letztes Jahr von der Duke University veröffentlicht wurde. Es ist eine fesselnde Lektüre von vorne bis hinten, keine Überraschung angesichts der Wurzeln des Künstlers in der Literatur. Und die Daten seines Inhalts und der Werke in Brooklyn stimmen ziemlich genau überein, mit Ausnahme des neuesten Stücks der Ausstellung.

Mit dem Titel Announcement of a New Persona (Performances to Come!) und mit dem Datum 2020 ist es eine Fotoserie, die die Künstlerin selbst in der Gestalt eines umherziehenden Ritters zeigt, vollständig – tatsächlich unsichtbar – eingehüllt in eine mittelalterliche Rüstung auf der dritten Boden. Signalisiert die Rüstung Kampfbereitschaft oder selbstschützenden Rückzug? Sie sehen es und denken an Conquistador (schlecht), bis Sie eine Miniaturpalme (gut) aus dem Helm sprießen sehen, die auf ihr karibisches / jamaikanisches Erbe hindeutet. Genaue Bedeutungen, wie die versprochenen Leistungen, müssen noch enthüllt werden. Aber offensichtlich ist etwas Sowohl/als auch im Sinn, konzipiert mit der moralischen Schärfe, dem Witz und der humanen Galanterie, die seit jeher den Standard markierten, den dieser Künstler in das Feld einführt.