Das Sandeep Narayan Interview: „Ich möchte, dass mein Konzert so echt und echt wie möglich ist“

Der klassische Carnatic-Sänger Sandeep Narayan glaubt an zeitgenössische Werte, auch wenn er eine als konservative Kunst angesehene Kunst praktiziert. Neugierig, wer der Star-Musiker war, der ihn ausgebildet und seine Perspektiven in Kunst und Leben geprägt hat? Lesen Sie dieses spannende Gespräch.

Carnatic klassischer Sänger Sandeep Narayan führt bei einem Konzert durch. (Express-Foto: Ramanathan Iyer)

In seinen Anfangsjahren ein Kind in den USA aus der Schule zu nehmen und es nach Chennai zu schicken, um karnatische Musik zu lernen, war in den 1990er Jahren eine ziemlich unorthodoxe Idee. Niemand hatte es zuvor getan, aber die Narayans in Los Angeles waren so Liebhaber der Carnatic-Musik, dass sie dachten, ihr talentierter Sohn sollte sich den Vorteil nicht entgehen lassen, den Kinder seines Alters in Chennai genossen.

Ihr Sohn war gerade einmal 11 Jahre alt und neigte von Natur aus zur Musik, denn seit seiner frühen Kindheit hörte er zu Hause nur karnatische Musik. Er lernte seit seinem vierten Lebensjahr karnatische Musik von seiner Mutter Shubha Narayan, die selbst über einen bekannten musikalischen Stammbaum verfügte. Aber als der Junge zu verspielt wurde, dachten seine Eltern, dass er förmlich von einem anderen Guru lernen sollte. Sie fragten den in Chennai ansässigen Flötenmaestro N Ramani, der Sandeeps älteren Bruder Flöte unterrichtete, ob er helfen könnte. Ramani schlug nach langem Überlegen vor, dass der Junge nach Indien kommt und von Kalkutta KS Krishnamurthi lernt, einem bekannten Musikwissenschaftler und begehrten Lehrer für ältere Künstler.

Für Krishnamurti war die Anfrage etwas ungewöhnlich, da er keine NRIs unterrichtet hatte, geschweige denn ein Kind, außer wahrscheinlich aus Familien, die dauerhaft nach Indien umgezogen waren. Er versuchte es wegen Ramani, war beeindruckt von der frühen Ausbildung und dem Scharfsinn des Jungen und erlaubte ihm, unter ihm zu lernen.

Der Junge blieb etwa 18 Monate bei seiner Mutter in Indien und durchlief unter Krishnamurti eine ziemlich strenge Ausbildung, die mit Unterricht, Konzerten und unermüdlichem Üben gefüllt war. Als er in die USA zurückkehrte, hatte er ein solides Fundament, eine viel stärkere Affinität zur klassischen Musik und den tiefen Wunsch, in der Carnatic-Musik groß rauszukommen. Er trainierte weiterhin unter Krishnamurthi durch seine Aufnahmen und Direktunterricht in Chennai während der Sommer- und Winterferien.

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Unglücklicherweise für den Jungen starb Krishnamurti in drei Jahren und er hatte keinen Lehrer von ähnlichem Kaliber. Aber dieses Mal musste die Familie keinen anderen Guru suchen, denn der Junge, jetzt im Teenageralter, hatte bereits einen neuen Guru ins Auge gefasst, der bereits ein eigener Star und ein älterer Schüler von Krishnamurti . war . Der Junge, der immer noch in den USA lebt und alle zwei Jahre nach Indien reist, lernte in den nächsten 15 Jahren von seinem neuen Guru und ist heute einer der wenigen zeitgenössischen Carnatic-Musiker, der einen Stil aufgenommen hat, der für seinen eigenen Guru einzigartig ist. Die Ausbildung bei dem neuen Guru war lebensverändernd und der Junge wechselte 2006 nach Abschluss seines Bachelor-Studiums dauerhaft nach Chennai. Er ist heute einer der Topstars der jüngeren Generation von Carnatic-Musikern und das erste indisch-amerikanische Kind, das die Carnatic-Musik in Indien zu einer Karriere gemacht hat.

Dies ist die Geschichte von Sandeep Narayan, dem coolen Typ der Carnatic-Musik, der für seinen Stil bekannt ist, der reich an Klassizismus, Ausdruck und Improvisation ist. Er ist ein Hauptsänger in Chennais Sabhas, einschließlich der Madras Music Academy, und ist auch in anderen indischen Städten ein gefragter klassischer Interpret. Er ist auch einer der klassischen Musiker der jüngeren Generation, die in der Lage sind, die Kunst der neuen Generation und dem Cross-Over-Publikum zu vermitteln.

Sandeep, begabt mit einer attraktiven Stimme, die flexibel ist und sich mühelos über Oktaven bewegen kann, und bekannt für seinen zutiefst ausdrucksstarken Stil, ist ein entzückender Interpret, der sowohl in Chennai als auch anderswo beeindruckende Kenner klassischer Musik aller Altersgruppen anzieht. Er ist in allen Aspekten des klassischen Gesangs sehr versiert und sein Stil ist reich an gut geformten Gamakas, Brigas und attraktiven musikalischen Klängen, die karnatische Musik auch für Laien attraktiv machen. Die seinem Gesang innewohnende Laya, sowohl in langsamer als auch in hoher Geschwindigkeit, verleiht seiner Musik eine gewisse Klarheit, Ausgeglichenheit und einen angenehmen Gang. Seine ausgefeilten klassischen Techniken und sein sachkundiger Umgang mit anderen Musik- und Kunstformen machen seine Improvisationen charmant und überzeugend, sei es im Raga-Gesang, im Neraval (Improvisation des Singens mit einem Refrain der Hauptkomposition), Kalpanaswaras (in dem sich der Sänger engagiert) eine fantasievolle Präsentation der Noten des Raga) und vor allem der Raga Tanam Pallavi (RTP), der die technische und kreative Vielseitigkeit eines Carnatic-Sängers auf den Punkt bringt.

Sandeep ist Träger vieler regionaler und nationaler Ehrungen. Er war einer der besten Konzertdarsteller an der Musikakademie und erhielt viele Titel wie den Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar von der Sangeet Natak Akademi im letzten Jahr.

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Was ihn ein wenig einzigartig macht, ist auch die Tatsache, dass er kein konservativer Carnatic-Sänger im alten Stil ist. Wahrscheinlich kann man ihn einen zeitgenössischen Konservativen nennen, was bedeutet, dass er an zeitgenössische Werte glaubt, auch wenn er eine als konservative Kunst bezeichnete Kunst praktiziert. Und Musiker wie er zeigen, dass selbst eine uralte Kunst wie die Carnatic Music durchaus zeitgemäß und zukunftsweisend sein kann.

Neugierig, wer der Star-Musiker war, der ihn ausgebildet und seine Perspektiven in Kunst und Leben geprägt hat? Lesen Sie dieses spannende Gespräch.

Sandeep Narayan erhält SNA Yuva Puraskar 2019 von der Gouverneurin von Manipur, Najma Heptullah.

Lassen Sie mich von vorne beginnen. Als erstes indisch-amerikanisches Kind, das sich für die karnatische Musik als Karriere in Indien entschieden hat, waren Sie ein Vorreiter. Wie ist es dazu gekommen und was empfinden Sie, wenn Sie zurückblicken? Mussten Sie viele Anpassungen Ihres Lebensstils vornehmen?

Damals wusste ich wahrscheinlich nicht, was ich tun sollte, und es war eine Art Experiment, das schließlich funktionierte. Ich wusste definitiv, dass ich in der Carnatic-Musik sein wollte und das konnte nur in Chennai gemacht werden. Was die Anpassung des Lebensstils angeht, hatte ich kein Problem, denn Musik war wichtiger als alles andere: Musik lernen, auf Konzerte gehen und schließlich auftreten. Das waren die Ziele. Tatsächlich stimme ich den Leuten nicht zu, wenn sie sagen, dass der Lebensstandard hier weniger ist, weil es davon abhängt, wonach Sie suchen und was Ihre Werte sind. Ich kann behaupten, dass der Lebensstandard hier tatsächlich besser ist. Sie erhalten viele Dinge, die Ihr Leben hier einfacher machen. Wenn ich zum Beispiel eine Tasse Chai trinken möchte, muss ich nicht zu Starbucks fahren, ich kann ein paar Meter zu jedem Tee-Kadai (Geschäft) laufen! Ich habe hier auch wundervolle Freunde. Ehrlich gesagt bin ich ziemlich glücklich.

War es leicht, sich mit einem indischen Guru in einem Musiksystem zurechtzufinden, das auch heute noch recht konservativ anmutet?

Mein erster Guru in Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), war nicht sehr orthodox und wir verstanden uns sehr gut. Es war schon lustig, dass da ein 11-jähriger Junge mit einem sehr starken amerikanischen Akzent war, der Musik von einem älteren Vidwan lernen wollte. Er war ein wenig skeptisch, aber als er mich singen hörte, war er glücklich. Nach unserer ersten Klasse sagte er mir, dass er anfangen würde, mich auf einem höheren Niveau zu unterrichten, weil er dachte, ich sei fähiger als Kinder in meinem Alter. Zwischen uns hat definitiv etwas geklickt.

Du bist seit 1996 nach Indien gekommen, um bei Kalkutta Krishnamurti zu lernen, und nach seinem Tod bist du zu einem anderen Guru gewechselt und hast lange Zeit bei ihm gelernt, bis du ziemlich unabhängig geworden bist. Können Sie Ihre Entwicklung als Musiker in Chennai beschreiben?

KSK Mama ermutigte mich schon früh, Manodharma zu erforschen. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich sehr wenig Improvisationsmusik wie Alapana, Neraval, Swaras usw. gemacht. Er brachte mir auch viele neue Ragas bei und gab meiner musikalischen Beschäftigung eine andere Richtung und Tiefe.

Als er 1999 starb, musste ich von jemand anderem lernen und die einzige Person, an die ich dachte, war Sanjay Subrahmanyan. Ich kannte ihn schon bevor ich zu KSK Mama ging, denn unsere Familie hatte ihn 1995 während seiner Konzertreise durch die USA kennengelernt. Schon als Kind war ich ein großer Fan von ihm und folgte ihm seit 1996-97 religiös. Wenn ich in Chennai war, ging ich immer zu seinen Konzerten und saß in der ersten Reihe. Er lernte auch von KSK Mama zusammen mit anderen bekannten Künstlern wie unter anderem Sudha Raghunathan und P Unnikrishnan. Ich war wirklich begeistert und fand es auch cool, dass ich von demselben Guru lernte, von dem auch Sanjay Subrahmanyan lernte.

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Als mein Guru nicht mehr war, fragte ich Sanjay, ob er es mir beibringen könnte. Ich war mir meiner Wahl absolut sicher, aber er war etwas zögerlich, weil er dachte, nachdem er von KSK Mama gelernt hatte, die sehr älter und viel älter war, dass ich mit jemandem aus dieser Generation weitermachen sollte. Aber für mich passte Sanjay perfekt. Ich habe mich so gut mit ihm verstanden und das hat auch meinen Eltern gefallen.

Bei mir und Sanjay war es ein Kinderspiel. Wir sprachen über Sport, Filme, andere Musikstile usw.

Lernst du noch von ihm?

Ich habe bis etwa 2014-15 regelmäßig von ihm gelernt. Allmählich wurde der Unterricht aufgrund meiner zunehmenden Reisetätigkeit und seines ohnehin vollen Reiseplans weniger häufig. Er wollte auch, dass ich selbst lerne und erweitere. Ich bin jetzt unabhängiger mit meinem Lernen, aber ich konsultiere ihn von Zeit zu Zeit bei allen Musikfragen, die ich habe. Zum Beispiel habe ich ihm vor zwei Jahren eine Nachricht geschickt, ob ich ein paar Lieder lernen könnte und er hat sich sofort verpflichtet. Auch heute noch, wenn ich in der Musik etwas zu klären habe, gehe ich zu ihm.

Wie Sie wissen, finden die Leute in Ihrer Musik viel Einfluss von Sanjay, einschließlich einiger Gesten, Klangmanierismen, Sangathis usw.

Ja, ich weiß (lacht). Aber diejenigen, die Sanjays und meine Musik verfolgen, haben auch bemerkt, wie und wann ich von Sanjay Sirs Stil abgewichen bin. Diejenigen, die im Vorbeigehen zuhören und wissen, dass ich sein Schüler bin, werden diese Assoziation natürlich herstellen und alle Ähnlichkeiten kommentieren, real oder wahrgenommen.

Der andere Einfluss ist auch seine Herangehensweise an das Konzert selbst. Er hat eine gewisse Professionalität, die auch auf mich abfärbt, wofür ich ihm sehr dankbar bin. Er ist respektvoll gegenüber anderen Künstlern, Organisationen und dem Publikum. Er hat mir gesagt: Denke niemals, dass das Publikum dumm ist. Nehmen Sie sie niemals als selbstverständlich hin. Daran erinnere ich mich immer und versuche, bei meinen Konzerten daran festzuhalten. Seine Konzentration und Ernsthaftigkeit sind beeindruckend: Er besitzt diesen Saal, den gesamten Raum, wenn er in einem Konzert ist.

Es ist besser, den Sänger Sandeep Narayan als zeitgenössischen Konservativen zu bezeichnen, was bedeutet, dass er an zeitgenössische Werte glaubt, auch wenn er eine als konservative Kunst angesehene Kunst praktiziert. (Express-Foto: Rajappane Raju)

Sanjays Stil hat viel mit Innovation zu tun. Wie innovativ bist du auf der Bühne?

Vielleicht gehe ich zu einem Konzert und denke, dass ich an diesem Tag etwas Bestimmtes singen werde, aber das funktioniert nicht immer so. Stattdessen kann etwas anderes passieren. Sehen Sie, es gibt eine Menge Musik in Ihrem Kopf, wenn Sie auf dieser Konzertbühne sitzen, weil Sie ständig zuhören und lernen – von populär bis klassisch – und plötzlich taucht etwas in Ihrem Kopf auf. Wenn solche Dinge passieren, erforsche ich das gerne. Das ist sicherlich eine Sache, die ich von meinen Gurus und anderen Künstlern bekommen habe. Wenn Ihnen etwas einfällt, erkunden Sie es. Sag nicht nein. Sehen Sie, was Sie innerhalb unserer Struktur damit machen können, damit es nicht zu etwas anderem wird. Das Carnatic-Konzert ist kein Filmmusik-Konzert und auch kein Fusion-Konzert, aber in seinem Rahmen gibt es noch Möglichkeiten für Kreativität. So gehe ich es gerne an.

Sie waren dafür bekannt, dass Sie in Ihren frühen Jahren unermüdlich stundenlang zusammen übten. Jetzt, wo Sie mit Konzerten und Tourneen beschäftigt sind, wie gehen Sie damit um?

Während meiner letzten US-Tour fragten mich viele Kinder, wie viel man üben sollte, um ein bestimmtes Niveau zu erreichen. Meine Antwort darauf war, dass es keine Formel gibt. Für mich gab es nie eine Formel. Und es geht definitiv um Qualität vor Quantität. Sie müssen einfach weiter hart arbeiten und das Vertrauen in sich selbst haben, dass es eines Tages klappen wird. Als ich in den USA lebte, war das Üben in der Schule, am College usw. viel schwieriger. Im College war es sogar ein Problem, einen Standort zu finden, da ich mit drei anderen eine Wohnung teilte. Aber damals hörte ich viel Musik, um das auszugleichen, und wenn ich jeden Monat nach Hause ging, übte ich jeden Tag 2-3 Stunden. Als ich nach Chennai zog, gab es nicht so viele Probleme und ich konnte regelmäßig mindestens 2-3 Stunden morgens und weitere 2-3 Stunden nachmittags oder abends üben. Außerdem bin ich fast jeden Tag auf Konzerte gegangen, egal wer der Künstler war. Mit anderen Worten, ich habe zu diesem Zeitpunkt meine ganze Zeit mit Musik ausgefüllt. Vieles war Wiederholung.

Wiederholung ist, wie Wissenschaft funktioniert. Sie wiederholen, Sie sind perfekt, nicht wahr?

Ja, etwas, das Studenten heute im Hinterkopf behalten sollten, ist, dass sie nicht nur ein Lied lernen und dann zum nächsten übergehen sollten. Eine Sache, die mir früh in den Kopf gebohrt wurde, war, dass man ein Lied hundertmal singen muss. Das wussten und taten die besten Artisten, vor allem von damals. Irgendwo in der Mitte geriet es bei vielen aufstrebenden Musikern in Vergessenheit. Und ich gebe zu, dass sogar ich manchmal ein Opfer dieser Einstellung bin: Ich glaube, ich habe ein Lied gelernt, ich habe es ein paar Mal gesungen und möchte es jetzt so schnell wie möglich in einem Konzert singen. Es mag an diesem Tag funktionieren und ich bin vielleicht sicher, aber wenn ich nach einem Monat, zwei Monaten oder sechs Monaten dasselbe Lied singe, würden die Version dieses Tages und die erste Version meilenweit voneinander entfernt sein. Wenn Sie ein Lied zum ersten Mal singen, rezitieren Sie es nur, aber wenn Sie es über einen längeren Zeitraum so oft üben, kann es zu Ihrem Lied werden. Du rezitierst nichts mehr auswendig gelernt, es ist ein Teil von dir. Das sehe ich auch heute noch. Wiederholung ist eine Sache, die ich im Laufe der Jahre als so wichtig erkannt habe. Ich singe immer und immer wieder Varnams. Unterschiedliche Geschwindigkeiten, mit unterschiedlicher Gamakam-Erkundung, unterschiedliche Dinge wie das.

Mit Konzerten und Reiseplänen konnte ich jetzt nicht so viel üben, aber ich versuche, mindestens ein bis zwei Stunden am Tag zur Seite zu legen. An Reisetagen wird die Übung wie eine Konzertzusammenfassung sein: Was soll ich singen und was ich vermeiden, weil ich die Lieder und Ragas, die ich früher am selben Ort gesungen hätte, nicht wiederholen möchte. Als ich zum Beispiel dieses Mal zum Chembai-Festival in Guruvayoor ging, wurde mir plötzlich klar, dass ich Rasavilasa (Swathi Thirunal-Lied in Raga Kamboji) schon sehr lange nicht mehr gesungen habe. Während der Autofahrt vom Flughafen Coimbatore nach Guruvayoor hörte ich mir eine Aufnahme davon an und versuchte, mein Gedächtnis aufzufrischen. Am Ende habe ich es nicht gesungen, weil es eine Anfrage für ein anderes Lied gab, aber ich bin froh, dass es wieder in meiner Erinnerung ist und ich plane, es bald wieder zu singen.

Carnatische Musiker sind dafür bekannt, ihren Gesang mit unterschiedlichen Stimmtechniken zu perfektionieren, manchmal sogar mit Hilfe von Stimmspezialisten. Hast du welche?

Was mir aufgefallen ist, ist, dass unsere Musik selbst so viele eingebaute Übungen hat. Selbst die grundlegenden Dinge wie Sarali-Varisai und Janta-Varisai sind Übungen für sich. Leider wurden sie als das Sprungbrett für Anfänger zum Erlernen eines Varnam bezeichnet, und wenn Sie damit fertig sind, wechseln Sie zu Swara Jathis und Geetham und neigen dazu, nicht zurückzublicken. Aber diese Dinger sind zeitlos. Es sind so gute Übungen, die für uns ausgelegt wurden. Es sitzt genau dort in Ihren ersten Geetham-Büchern. Manchmal singe ich diese in verschiedenen Ragas und mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten, während ich die Klarheit behalte. Das selbst ist so eine erstaunliche Stimmübung. Es ist eine lustige Herausforderung für mich geworden.

Sandeep Narayan tritt 2019 bei einem Konzert im Kapali-Tempel in Chennai auf.

Sogar die Varnams sind so gute Übungen. Die Geschwindigkeit geht langsam zu schnell, die Melodie reicht oft von sehr niedrig bis sehr hoch, und wir machen Swaram, Sahithyam usw. dabei. Die Stimmübungen kommen also tatsächlich mit unserer Musik. Wir müssen sie nur erforschen und richtig nutzen.

Aber ich habe auch mit ausgebildeten Fachleuten über die Arten von Aufwärm- und Abkühlübungen gesprochen, die helfen können, Ihre Stimme zu erhalten. Wir denken normalerweise nicht, dass eine Abkühlung notwendig ist, aber es ist wie bei jedem anderen Muskel und jedem anderen Training in einem Fitnessstudio, und ebenso sind Disziplin und Übung in beiden erforderlich.

Heutzutage ist Abwechslung gefragt und daher muss ein Künstler sein Repertoire ständig erweitern. Setzt es dich unter Druck?

Vor vielleicht Jahrzehnten konnte man in einer Stadt nach der anderen immer wieder die gleichen Lieder singen und dabei auch diese Lieder polieren. Heute jedoch, mit dem Aufkommen von Social Media und digitalen Plattformen, können Sie dies nicht mehr so ​​​​viel tun. Wenn ich an einem Ort ein Lied oder einen Raga singe, würde es jeder in anderen Städten fast sofort erfahren. Wenn ich es bald in einer anderen Stadt wiederhole, würden sie sagen, ich singe überall die gleichen Lieder und kommentieren, dass ich vielleicht nichts anderes kenne! Daher ist es zu einer Notwendigkeit geworden, häufiger neue Lieder zu singen. Der Nachteil ist, dass Sie, wenn Sie ständig neue Sachen singen, nicht tiefer in die Songs eintauchen können, die Sie meistern möchten. Es kann also definitiv viel Druck geben. Wie bereits erwähnt, sollte man ein Lied idealerweise mehrmals singen, bevor man es öffentlich präsentiert, was auch die Stimme strapazieren kann, wenn man ständig versucht, das Repertoire für jedes Konzert zu aktualisieren.

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Mein Ansatz ist es, neben dem Singen neuer Lieder auch in alte Lieder eine Frische zu bringen. Nicht nur für das Publikum, sondern auch für mich. Wenn ich heute etwas singe, was ich vor 20 Jahren gesungen habe und es immer noch gleich klingt, dann bedeutet das, dass ich als Musiker nicht gewachsen bin. Obwohl Künstler wahrscheinlich öfter als heute damit durchgekommen wären, ein Lied zu singen, ist mir auch aufgefallen, dass die größten Künstler nicht nur etwas gefunden haben, das funktioniert und immer das Gleiche tut. Stattdessen entwickelten sie sich alle meistens weiter. Sie sehen im Laufe der Jahre eine solche Veränderung und Reife in ihrer Musik.

Aber die alten Meister hatten nicht diesen Druck, ihr Repertoire zu erweitern

Ich weiß nicht genau, welchen Druck die früheren Meister hatten oder nicht. Aber ich vermute, dass es wahr sein könnte und deshalb konnten sie einige ihrer Markenzeichen singen, die zu ihren Hits wurden, die wir mit ihnen verbinden. Vergessen wir nicht, dass sie neue Songs und Raga eingeführt haben. Durch die Musik von GN Balasubramaniam lernte ich einige hindustanische Ragas wie Durga und Gavathi kennen. Manchmal machten sie den Raga berühmt und manchmal machte der Raga sie berühmt. Aber auch dieser Ansatz war dynamisch. Der Song mag der gleiche sein, aber sie brachten so neue Ideen in den Swara-Gesang, den Neraval usw. Wie Sie wissen, werden diese Songs sogar mit ihrem Aufnahmedatum bezeichnet. Künstler X hat im Jahr Z einen unvergesslichen Song Y gesungen. Warum tun die Leute das? Denn selbst wenn das Lied oder der Raga gleich ist, ist die Wiedergabe es nicht. Wenn Sie das Gefühl haben, dass ein Künstler nach vier Konzerten gleich klingt, haben Sie vielleicht keine Lust mehr, ihm zuzuhören. Erfolgreiche Künstler von gestern und heute haben es immer vermieden, in diese Falle zu tappen. Sie bringen bei jedem Auftritt etwas anderes mit.

Sandeep Narayan tritt 2013 bei einem Konzert an der Carnegie Mellon University in Pennsylvania auf.

Viele ehemalige Meister, die die Leute jetzt vergöttern, wurden zu ihrer Zeit nicht gebührend anerkannt. Verfolgen Sie eine ihrer Arbeiten?

Es gab einige Künstler, von denen wir oft das Gefühl hatten, dass sie während ihrer Zeit im Vergleich zu ihrer tatsächlichen Kompetenz und ihrem Beitrag unterschätzt wurden. Die Leute sprechen immer von MD Ramanathan als Beispiel dafür. Ich habe das Gefühl, dass Thanjavur S Kalyanaraman auch so war. Und obwohl Madurai Somasundaram zu seiner Zeit einiges an Erfolg hatte, scheint er, aus welchen Gründen auch immer, immer noch nicht mit einigen seiner Zeitgenossen in die Geschichtsbücher einzugehen. 2019 feierten wir vielerorts seinen 100. Geburtstag, Somu 100, aber vorher war in den letzten Jahren kaum jemand über seinen Namen und seine Musik diskutiert worden. Das finde ich ziemlich merkwürdig.

Ist es nicht seltsam, dass die Leute jetzt mehr über Kalyanaraman sprechen?

Heute ist er ein Kultheld. Ich denke, im Grunde war er seiner Zeit voraus. Tatsächlich höre ich viele interessante Anekdoten über SKR von seinen Schülern, Familienmitgliedern und Freunden, die ihn persönlich kannten. Einer davon ist, wie er viel über Stimmtechniken forschte, um seine eigenen Fähigkeiten zu verbessern. Aufgrund dieser Techniken konnte er die Präzision in sruthi und laya beibehalten. Tatsächlich wurde mir gesagt, dass er nachts, wenn alles ruhig war, alleine saß und seine Stimmübungen machte. Er hatte auch die Dwi-Madhyama Panchama Varjya Ragas erforscht, ein Konzept, das niemand wirklich viel erforscht hatte, und er war ein Experte für Vivadhi Ragas. Die Leute betrachten sein Werk heute mit großer Ehrfurcht. Oder zumindest tue ich das auf jeden Fall.

Wann immer ich gefragt werde, wer die einzige Person ist, mit der ich gerne etwas Zeit verbracht hätte, kommt mir immer in den Sinn.

Da Sie aus einem anderen soziokulturellen Milieu kommen und anderen Kunst- und Musikformen der Welt ausgesetzt sind, beeinflusst das Ihre Musik?

Ich habe immer viel Western Pop, Rock, R&B, Hip Hop usw. gehört. Auch heute noch tue ich das. Meine Spotify-Playlists sind eine Mischung aus in den USA und Großbritannien ansässigen Künstlern sowie indischen. Nicht-carnatische Musikstile zu hören, ist für mich oft eine Befreiung oder Erleichterung. Carnatic Musik bringt mich immer in einen tiefen Fokus und hat mein Gehirn ständig auf Trab. Die einzige Möglichkeit für mich, es abzuschalten oder eine Pause davon zu machen, besteht darin, andere Stile zu hören. Aber ich weiß nicht, wie sehr das meine Carnatic-Musik beeinflusst hat. Ich glaube nicht, dass ich Rap oder Hip Hop in Carnatic einbringen kann (lacht)!

Aber es könnte Elemente in populärer Musik oder anderen Formen geben, die Ihre klassische Musik bereichern oder Farbe hinzufügen könnten

Ich würde sagen, dass sich alte Filmsongs wahrscheinlich eher für Carnatic-Musik eignen, besonders wenn sie auf Raga basieren. Oder andere rhythmische Muster aus anderen Stilen. Sie mögen nicht traditionell sein, aber wir können sie viel einfacher in unsere Musik einbringen. Normalerweise ein bisschen vom Jazz, weil es viele Parallelen gibt. Ich glaube nicht, dass sich Rockmusik zu sehr für Carnatic eignet, ohne in das Genre der Fusion einzusteigen.

Jazz ist für mich das westliche oder eher amerikanische Äquivalent zur Carnatic-Musik. Beide sind ähnliche Musik der Improvisation. Ich frage mich oft, warum die Leute nicht Jazztechniken in der karnatischen Musik ausprobieren, weil sie Konzerte bunter machen würden, ohne ihren Klassizismus oder Ernst zu verlieren

Ja, Sie haben Recht, Jazz ist Carnatic am nächsten. Aufgrund des gebräuchlichen Begriffs Klassik vergleicht jeder standardmäßig südindische oder nordindische klassische Musik mit westlicher Klassik. Aber wenn man sich die technischen Details und die Konzertpräsentation ansieht, ist Jazz der karnatischen Musik ähnlicher. Während sie zum Beispiel einen Refrain haben, haben wir eine Zeile aus einem Lied oder ein Pallavi in ​​Raga-Tanam-Pallavi. Pallavi ist dasselbe wie einen Refrain wie im Jazz und immer wieder eine Improvisation. Tanam ist mittlerweile dem Scatting ähnlich. Wir nehmen nur ein paar Silben, die keine lyrische Bedeutung haben und Melodie und Rhythmus miteinander vermischen.

Eine weitere Parallele ist das Niveau der Fähigkeiten, die Sie benötigen

Auch in Bezug auf das Training ist es der Carnatic-Musik sehr ähnlich. Ihre Fähigkeiten oder Ausbildung können im Singen, Klavier-, Saxophon- oder Schlagzeugspielen liegen. Es ist eine technische Ausbildung. Und sie hören viel zu. Jazzkünstler spielen oder hören ständig etwas. Wenn sie die technischen Fähigkeiten beherrschen, kommt ab einem gewissen Punkt ihre Kreativität zum Tragen, weil sie auch viel zuhören. Sie haben das technische Know-how, um alles zu tun, was ihnen in den Sinn kommt. Diese Nachricht vom Gehirn an Ihre Stimme oder Ihre Finger wird aufgrund Ihrer technischen Fähigkeiten berücksichtigt. Das ist auch bei Carnatic der Fall.

Ein Standbild aus MadRasanas Gopala Gokula Music-Videodreh.

Aber es ist seltsam, dass Jazzmusiker aus armen Verhältnissen stammen, während Carnatic ein anderes soziokulturelles Profil hat, dem manchmal sogar Exklusivität vorgeworfen wird

Wahrscheinlich hat das etwas damit zu tun, wie sich die Kultur in einer Gemeinschaft entwickelt hat. Ja, die Demografie ist sehr unterschiedlich, während die Ausbildung, der Stil und die Art und Weise, wie wir Ideen entwickeln, sehr ähnlich sind. Wie eine Parallelstruktur. Fast von Anfang an.

Aber gibt es in Carnatic nicht auch in der Improvisation eine Art Reglementierung, weil sie von einem alten konservativen System kontrolliert wird?

Nun, ich würde sagen, auch im Jazz gibt es noch einige Regeln: Sie haben einen rhythmischen Zyklus und folgen zwar keinem Raga wie wir, aber sie haben einen Modus oder eine Tonleiter. Es gibt bestimmte Noten, die in diesem Modus erscheinen, die Reihenfolge der Noten ist möglicherweise nicht sehr streng, und ab und zu bringen sie eine fremde Note nur für den Kontrast ein, aber sie gehen zurück. Sie folgen meist ihren Skalen, ähnlich wie wir es tun. Ja, du hast aber recht. In der Carnatic-Musik finde ich, dass es einige Leute gibt, die versuchen, viele Regeln aufzuerlegen.

Manchmal hört sich sogar eine kleine Unvollkommenheit gut an, nicht wahr?

Ich glaube nicht an die richtige und falsche Herangehensweise. Es ist eher ein Gut und ein Böse. Und dies kann anhand der Erfahrung und Reife eines Künstlers beurteilt werden. Zum Beispiel gibt es eine Identität für einen Raga. Sie müssen nicht alle Töne der Tonleiter hören, um zu wissen, dass es sich um einen Todi oder einen Sankarabharanam handelt. Aus einem Satz können Sie wissen, was Raga es ist. Woran erkennt man einen Raga, auch wenn ich nicht alle Noten gesungen habe? Und woher kommt dieses Richtig und Falsch? Bei der Musikpräsentation sollte es um die Ästhetik und die Verbindung gehen, die sie schafft. Ich persönlich mag es nicht, solche Regeln für jede Kleinigkeit aufzuerlegen.

Frühere Sänger wie Madurai Somu und zeitgenössische Musiker wie Sanjay Subrahmanyan haben viele unkonventionelle Elemente in ihrer Musik, die sie zu einem eigenen Genre machen. Sind Sie nicht inspiriert, etwas Ähnliches zu tun?

Beide sind für mich definitiv sehr inspirierende Künstler. Aber ich möchte nicht bewusst etwas Unkonventionelles machen, nur um mein eigenes Genre zu haben. Vielleicht werde ich eines Tages zurückblicken und feststellen, dass ich unkonventionelle Dinge getan habe, aber ich möchte, dass das alles natürlich ist und zur richtigen Zeit von selbst kommt. Vielleicht führt das zu einem anderen Genre, wie Sie sagen. Oft höre ich mir einfach etwas an und schätze seine Schönheit, anstatt es zu zerlegen und zu entscheiden, ob es konventionell ist oder einen neuen Raum betreten hat. Die neuen Räume werden sich organisch bilden, wenn ich wachse und meine Musik noch weiter reift.

Wie wichtig ist Ihre Verbindung mit dem Publikum?

Es ist mir extrem wichtig. Wenn ich in einem dunklen Saal singe, werde ich die Veranstalter bitten, das Licht einzuschalten, weil ich nicht an einer schwarzen Wand singen möchte. Ich möchte die Menschen sehen, ihre Augen, ihre Reaktionen, alles. Für mich ernähre ich mich so sehr davon. Wenn ich das Gefühl habe, dass sie nicht bei mir sind oder nicht positiv reagieren, ändere ich sofort meinen Kurs. Es ist ein Gespräch. Das Publikum reagiert und kommuniziert auf seine Weise mit mir. Für wen singen wir ohne das Publikum? Sie sind ein wesentlicher Bestandteil des Konzerterlebnisses. Wenn ich ein sehr empfängliches Publikum habe, habe ich das Gefühl, dass ich alles singen kann. An diesen Tagen fühle ich mich wie ein Superman. Wenn ich keine Antwort erhalte, fange ich vielleicht sogar an, an mir selbst zu zweifeln.

Verwenden Sie die Verbindung mit dem Publikum als eine Technik, um ihr Feedback zu erhalten?

Ich denke, in den ersten paar Songs selbst kann man die Taschen im Publikum ausfindig machen, die wirklich auf das reagieren, was man tut. Meine Augen und mein Fokus werden dazu neigen, auf natürliche Weise zu ihnen zurückzukehren. Ich tue es nicht bewusst, aber es passiert instinktiv. Manchmal schaust du sie instinktiv für eine zusätzliche Sekunde an, um auch zu bestätigen, was du singst, weil sie mir bis zu diesem Zeitpunkt stillschweigend dieses Feedback gegeben haben.

Sind die Zielgruppen in Chennai reaktionsschnell?

Ach ja, absolut. Sie sollten sich daran erinnern, dass das Publikum in Chennai so viel Musik ausgesetzt ist, dass der durchschnittliche Rasika in Chennai ziemlich in karnatischer Musik ausgebildet ist. Nicht ohne Grund kommen alle aus der ganzen Welt hierher. Warum bin ich von LA nach Chennai gezogen? Hier einen Namen zu machen ist wirklich die Herausforderung. Das Publikum hier ist sehr anspruchsvoll, wird Ihnen aber ehrliches Feedback geben.

Sandeep Narayan sagt, dass man an manchen Stellen mit gewissen Dingen wie grenzwertigen Gimmicks davonkommen kann, aber in Chennai muss man vorsichtig sein, weil das Publikum alles gesehen hat. (Express-Foto: Rajappane Raju)

Wie großzügig sind sie im Feedback?

Mit gewissen Dingen wie grenzwertigen Gimmicks kann man an manchen Stellen durchkommen, aber in Chennai muss man aufpassen, denn das Publikum hat alles gesehen. Ich kann sagen, ich habe die Welt bereist und für jedes Publikum gesungen, aber Chennai wird antworten, es ist mir egal, wohin du gegangen bist, du musst jetzt für mich singen. (lacht)

braune Spinne mit braunen Flecken

Es ist in vielerlei Hinsicht demütigend. Eine positive Reaktion von einem Chennai-Publikum zu bekommen, bedeutet viel. Und sie reagieren, sie geben es, wo es fällig ist. Wenn Sie versuchen, etwas zu tun, um ihre Anerkennung zu erhalten, werden sie das durchschauen. Aber wenn du und deine Musik echt sind, werden sie reagieren. Sie werden überrascht sein, wenn sie etwas schätzen, obwohl Sie es nicht erwartet haben. Es kann ein Realitätscheck sein.

Es ist die Schönheit des Chennai-Ökosystems, denn das ist es, was diese karnatische Tradition aufrechterhält. Ist es nicht?

Jawohl. Das Ökosystem betrifft nicht nur die Künstler, sondern auch das Publikum. Ohne sie werden wir unsere Musik vielleicht nicht so sehr auf ein höheres Niveau bringen. Ich sage Studenten und Künstlern, die außerhalb von Chennai leben, immer, hierher zu kommen und zu sehen, was Leute ihrer Altersgruppe oder Gleichaltrigen musikalisch machen.

Gute Passform ist in Chennai und anderswo erfolgreich, oder?

Das ist die ideale Balance. Hier verfeinern Sie Ihre Fähigkeiten. In der Zwischenzeit lernen Sie, an anderen Orten aufzutreten, wie Sie für verschiedene Zielgruppen unterschiedlich präsentieren können. Beides ist notwendig, um ein erfolgreicher Künstler zu sein.

Macht dich die Herausforderung der Improvisation auf der Bühne verwundbar?

Ich finde, man sollte auf der Bühne ein wenig verletzlich sein. Ich bin traurig, wenn ein Künstler das Gefühl hat, dass das, was er oder sie auf der Bühne präsentieren wird, perfekt sein muss. In dem Moment, in dem Sie damit beginnen, erforschen und erweitern Sie Ihre musikalische Kreativität nicht so sehr, wie Sie es können. Jetzt machen Sie sich mehr Sorgen um das kommerzielle Paket. Sie versuchen, eine Marke oder einen Namen, die Sie etabliert haben, aufrechtzuerhalten. Es muss ein Gleichgewicht bestehen zwischen dem Standard, den Sie etabliert haben, während Sie noch die Kreativität erforschen. Das bedeutet, dass man vor dem Publikum in gewissem Maße verwundbar sein muss.

Wenn ich auf die Bühne gehe, ist ein gewisser Teil von mir selbstbewusst und sagt: Okay, das ist meine Komfortzone. Aber wenn ich nur das mache, von dem ich weiß, dass es sicher und bereits getestet ist, wie soll ich dann als Künstler auf die nächste Stufe kommen? Bei der Verletzlichkeit, auf die ich mich beziehe, geht es darum, sich dem Publikum zu öffnen und zu sagen, hey, ich probiere etwas aus und lass uns gemeinsam sehen, wie es läuft. Das ist auch Teil des Gesprächs, über das ich vorhin gesprochen habe.

Sandeep Narayan tritt 2015 bei einem Konzert in Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, auf.

In einem unserer US-Tour-Konzerte probierte ich ein kompliziertes Korvai aus, das ich ausreichend geübt hatte, aber es funktionierte nicht nur, während ich auf der Bühne stand. Es hat einmal, zweimal nicht funktioniert und beim dritten Mal dachte ich, es würde passieren, aber es ging nicht. In diesem Moment schaltete sich etwas in meinem Gehirn aus. Wenn ich eine Minute zum Nachdenken und Durcharbeiten bekommen hätte, wäre ich in der Lage gewesen, damit umzugehen; aber der Talam ging weiter, das Publikum schaute zu und es blieb keine Zeit zum Nachdenken. Schließlich habe ich mit einem anderen Korvai fertig. Aber als der Mridangam-Künstler anfing, das Solo zu spielen, spielte er das Korvai richtig. Ich habe sofort mitgemacht und es mit ihm gesungen. Dann verkündete ich dem Publikum, dass es das war, was ich zu singen versuchte. Ich sagte auch, wenn ich es nicht bekommen hätte, hätte ich diese Nacht nicht schlafen können! (lacht)

Diese Unvollkommenheiten machen Konzerte unvergesslich, nicht wahr?

Ich denke schon, aber ich möchte nicht, dass so etwas häufig passiert. Wenn etwas natürlich und organisch passiert, ist es in Ordnung. Etwas außerhalb des Plans ist passiert und ich war transparent. Ich denke, das ist die Schwachstelle, über die wir gesprochen haben. Ich möchte, dass mein Konzert so authentisch wie möglich ist.

Wie planen Sie ein Konzert?

Ich versuche, die Ragas und Kompositionen, die ich in der jüngeren Vergangenheit an diesem Ort gesungen habe, nicht zu wiederholen, aber man kommt manchmal nicht um Wiederholungen herum, wenn man einen Ghana-Raga aufnehmen möchte, da es nur eine begrenzte Anzahl davon gibt. Und normalerweise, wenn ich sie in einem Konzert vermeide, werden die Leute natürlich fragen, warum es keine Bhairavi, Thodi oder Kamboji usw. gab. Und sie haben auch Recht. Wahrscheinlich werde ich, um Wiederholungen zu vermeiden, eines Tages eine andere Komposition singen oder einen Ghana-Raga in einem Pallavi verwenden, und an einem anderen Tag als Hauptgang usw.

Die zweite Sache ist, eine Vielzahl von Komponisten und Talams zu bekommen. Und auch eine Vielzahl von Ragas in Bezug auf den Kontrast. Auf diese Reise muss man den Hörer mitnehmen und sorgt so für Abwechslung.

Es kommt auch darauf an, wo ich singe. In Tamil Nadu singe ich ein oder zwei tamilische Lieder, in Karnataka ein oder zwei Kannada-Lieder und in Kerala ein oder zwei Swathi Thirunal-Lieder. Mischen Sie bekannte Songs und fügen Sie ein oder zwei seltene hinzu. Wir müssen ständig balancieren. So gehe ich an ein Konzert heran. Ändere ich die Liste nach dem Betreten der Bühne? Ja, die ganze Zeit. Nachdem ich den Veranstaltungsort erreicht und das Publikum gesehen habe, denke ich manchmal, dass mein Plan nicht gut funktioniert und ändere daher die Spielzeit!

Wenn Leute während des Konzerts mit Anfragen zu Ihnen kommen, stören sie dann Ihren Plan?

Wenn ich vorher eine Anfrage bekomme, ist es einfacher, diese in meinen Konzertplan aufzunehmen. Manchmal stimmen diese Anfragen auch mit Ihrem Denken überein. Manchmal tun sie es nicht, aber ich habe nichts dagegen. Auf jeden Fall versuche ich mein Bestes, um die meisten Anfragen, die ich bei Konzerten erhalte, zu erfüllen. Schließlich ist es unsere Aufgabe zu singen, was das Publikum will.

Einige Sänger fügen ihrem Repertoire neue Kompositionen hinzu, um ihr Konzert zeitgemäß zu gestalten? Nehmen wir zum Beispiel das Hinzufügen moderner Poesie als Komposition oder als Pallavi.

Ich mache es wahrscheinlich nicht aktiv, weil es schon so viel da draußen gibt. Vielleicht würde ich das später bewusster tun, wenn ich das Gefühl habe, dass die Zeit reif ist.

Wie gehen Sie bei der Erforschung von Ragas vor?

Es gibt normalerweise ein Skelett für häufig gehörte Ragas und es ist unsere Aufgabe, es kreativ zu füllen. Die Ghana-Ragas bieten diesbezüglich viel Spielraum. Und in den meisten Ragas gibt es immer etablierte Sangathis, auf die Sie zurückgreifen können, wenn ein neuer Weg, den Sie einschlagen, nicht funktioniert. Wenn ich diese Ragas singe, bin ich zuversichtlich, mehr zu erforschen und zu experimentieren, während ich zu den bewährten Mustern und Übergängen zurückkehre.

Dann gibt es Ragas mit wenig bis gar keinem Rahmen und Vorlage, weil sie kaum gesungen werden. Dies ist das andere Extrem. Hier kommt Ihre Freiheit aus der Tatsache, dass es wenig vorherige Erkundung gibt. Wenn ich solche Ragas singe, probiere ich vielleicht viele neue Dinge aus, denn wer wird kommen und mir sagen, dass ich es nicht richtig gesungen habe? Es gibt keine Vorstellung davon, was in diesem Fall richtig und akzeptiert ist.

Sandeep Narayan erhält einen Award an der Music Academy.

Wie gehen Sie mit den selten gesungenen Ragas um? Wie entwickelt man sie mit begrenzten Kompositionen und Bezügen?

Ich schätze, mit zunehmender musikalischer Reife tauchen verschiedene Dinge in meinem Kopf auf. In einem selten gehörten Raga wie Deepali zum Beispiel ist bis auf ein paar Sangathis und eine Tonleiter nicht viel festgestellt worden. In solchen Fällen kann ich mir eine Notiz schnappen und entscheiden, dass dies mein Landepunkt ist. Normalerweise wird niemand sagen, dass es falsch ist. Aber man nimmt ein älteres und bekanntes Raga-ähnliches Devamanohari – und ändert den Landeton, es wird unangenehm klingen, weil es sich in den Köpfen der Hörer bereits auf eine bestimmte Weise eingeprägt hat. In solchen Fällen beginnt sich die Raga-Identität in etwas anderes zu verwandeln.

Aber einige dieser seltenen Ragas sind Hindustani. Können Sie keine Hindustani-Referenzen verwenden?

Du kannst, aber ihre gamakas sind anders. Der Raga-Ansatz ist anders. Sie können Hindustani bis zu einem gewissen Grad imitieren – sagen wir, Sie können Pantuvarali wie Basant oder Puriya Dhanashree klingen lassen. Dieselben Noten klingen anders, wenn sie im Hindustani-Stil gesungen werden.

Machst du es manchmal?

Ja, ich will. Ich mag es (lacht). Es ist eine persönliche Präferenz.

Dies erinnert mich an eine Aufnahme einer Pallavi von TN Seshagopalan, in der er parallele Phrasen zwischen dem Carnatic Bhairavi und dem Sindhu Bhairavi (das ist wie das Hindustani Bhairavi) singt. Diese Dinge finde ich wirklich cool, aber man muss aufpassen, dass man nicht in die bei anderen Ragas üblichen Töne verirrt. Es ist keine leichte Sache.

Du bist eine ziemlich ausdrucksstarke Sängerin. Wie fühlst du dich? Müssen Sie zum Beispiel die Hingabe persönlich spüren, damit ein Andachtslied funktioniert?

Nicht bei allen, aber bei manchen schon. Oftmals hilft dir die Bedeutung des Liedes, die Emotionen hervorzuheben. Manchmal ist die Emotion im Raga selbst vorhanden. Manchmal kann es eine Verbindung zum Lied oder eine Verbindung zum Komponisten sein. Zum Beispiel kennen wir die Bedeutung des Liedes varugalaamo in Manji von Gopalakrishna Bharathi. Ich singe dieses Lied nicht und denke dabei an mich selbst als denjenigen, der sich danach sehnt, die Gottheit zu sehen, aber ich denke emotional an den Komponisten, der so schön geschrieben und eine solche Situation beschrieben hat.

Irgendein Raga, mit dem Sie sich in letzter Zeit emotional verbunden fühlen?

In letzter Zeit habe ich eine Verbindung zu Thodi. Die Art meiner Verbindung zu Ragas ist bei jedem anders und ändert sich ständig. Es mag klischeehaft klingen, aber ich habe gelernt, dass es einen Grund gibt, warum gerade so viele Künstler zu diesem Raga zurückkehren und warum er den Ruf hat, den er hat. Es sind nur sieben Töne, aber darüber hinaus gibt es etwas so Großes. Ich fühle mich, als würde ich durch einen Thodi-Tunnel gehen und immer mehr über den Raga lernen, wenn ich ihn singe noch tiefer.