Die britische Künstlerin Rana Begum erforscht die Beziehung und Konversation zwischen Oberflächen, Licht und Form

Die 42-jährige britische Künstlerin, die in Sylhet, Bangladesch, geboren wurde und im Alter von acht Jahren nach Großbritannien zog, vertritt das barthesische Argument, dass das Werk des Autors/Künstlers dem Leser/Betrachter zuzuordnen ist, der frei von den Werken des Schöpfers ist Sinn oder Absicht.

Rana Begum in der Galerie. (Expressfoto von Ganesh Shirsekar)

Während sie uns durch den Raum führt, verweist Rana Begum auf ihre Arbeiten nicht mit irgendwelchen Titeln. Ihre dritte Einzelausstellung in Mumbai ist noch acht Tage entfernt und die leeren Wände und Böden der Jhaveri Contemporary Art Gallery in Colaba erwachen langsam zum Leben. Es gibt vier hohe Tische; Jedes verfügt über eine Kuppel, eine kleinere orangefarbene Kugel und zylinderförmige Objekte aus exquisit gestreiftem Marmor in verschiedenen Farben – Weiß, Kieferngrün, Rost und Schwarz. Diese wurden von Schwimmern inspiriert, die von Fischern in St. Ives in Cornwall verwendet wurden. Es gibt sie in allen möglichen Formen und sie sind so leicht. Aber ich wollte sie in etwas Schweres verwandeln, sagt sie.

Eine Wand in der Nähe des Fensters, das zum Gateway of India führt, ist mit einem Gitter gefüllt, das aus der Ferne wie 30 zerdrückte Papierstücke in hellen Farben aussieht, aber bei genauerem Hinsehen eine Mischung aus Beton und Gips ist, jedes einzelne von Hand geformt, um verschiedene Formen anzunehmen. Vor einem Stück, das aus Sprühfarbe auf Folie gefertigt wurde, halten wir inne. Begum ist nicht unzufrieden zu hören, dass die hellen zweifarbigen Stücke an eine einfachere Zeit erinnern, dass es an ein Bonbonpapier erinnert, in der Art, wie die Falten ihre Knicke behalten haben. Ich höre gerne zu, was die Zuschauer aus der Kunst machen. Ich fühle mich unwohl, ihm einen Namen zu geben und sogar meinen Namen neben dem Kunstwerk zu haben, ist unnötig, weil ich nichts aufdrängen möchte, was ihre Interaktion damit beeinträchtigen könnte, sagt sie.

Damit vertritt die 42-jährige britische Künstlerin, die in Sylhet, Bangladesch geboren wurde und im Alter von acht Jahren nach Großbritannien zog, das Barthessche Argument, dass das Werk des Autors/Künstlers dem Leser/Betrachter zu interpretieren gehört. frei von der Bedeutung oder Absicht des Schöpfers. Das macht Begums Arbeit ziemlich transportabel: Sie zerrt an Erinnerungsfragmenten und gibt dem Betrachter die Möglichkeit, ein Bein in die Vergangenheit und das andere fest in die Gegenwart zu stellen. Diese Dualität in ihrer Arbeit ergibt sich aus der Zugehörigkeit zu zwei unterschiedlichen Kulturen, der britischen und der bengalischen, sowie der Durchquerung des Landes zwischen Tradition und Moderne.

Für diese Ausstellung hat Begum ein Fischernetz breit über zwei Wände und den Boden geworfen – beschichtet mit unterschiedlichen Farben, die harmonisch ineinander übergehen. Ich habe das Netz während meines Aufenthalts in Istanbul gekauft, aber diese Arbeit basiert auf meiner Kindheitserinnerung an das Fischen in Bangladesch, wo wir von so viel Wasser umgeben sind. Wir fuhren mit den Booten raus und schauten uns an, wie das Licht durch die Netze gefiltert wurde, wie es auf dem Wasser aussah. Die Arbeit ist sehr taktil und durch das Licht bewegt sie sich. Das ist es, was diese Schau hervorhebt: die Beziehung zwischen Oberflächen, Licht und Form und die Gespräche, die wir mit ihnen führen können, sagt sie.

Rana Begums Werk aus dem Jahr 2019 Gefaltetes Gitter .

Das Wechselspiel von Licht und Fläche treibt Begum seit einiger Zeit in Form von farbigen Balken, gefaltetem Edelstahl, pulverbeschichtetem Netz und sogar Trinkhalmen und UV-Leuchten an. Ihre Faszination für Licht, Formen und Farben führt sie bis in ihre Kindheit in Bangladesch zurück, als sie fünfmal am Tag den Koran las, manchmal in einer Moschee in der Nähe ihres Hauses. Es war als Kubus konstruiert, mit Fenstern auf beiden Seiten und einer Wasserfontäne in der Mitte – das Licht würde einfach hereinfluten und ich würde stundenlang einfach auf den Anblick starren. Für die längste Zeit konnte ich diese Erinnerungen nicht mit meiner Arbeit verbinden, aber als ich es tat, wurden meine Sinne für alles um mich herum bewusster, sagt sie.

Seit sie vor einigen Jahren in die globale Kunstszene eingestiegen ist, wird Begums Werk als „minimalistisch“ bezeichnet; auch der Begriff „optische Täuschung“ wurde verwendet. Sie behauptet, dass es überhaupt keine Spielereien gibt. Wenn Sie mit der Arbeit interagieren, offenbart sie sich Ihnen, genau wie mir. Ich beginne ein Stück nicht mit einer festen Idee, weil ich nie weiß, wie das Licht mit der Oberfläche interagiert, sagt sie. Begum übt die Kontrolle aus in den sich wiederholenden Mustern, die in den Werken und in der Ausstellung insgesamt auftauchen. Ich mag Wiederholungen in meinem Leben, ich mag die Routine und Einheitlichkeit. Es vermittelt ein Gefühl der Ruhe, und gleichzeitig suche ich gerne nach Wegen, um ein Chaos in der Ordnung zu schaffen, sagt sie.

Ihre beiden Kinder, ein zehnjähriger Sohn und eine siebenjährige Tochter, lieben es, in ihrem Atelier zu sein. Manchmal gebe ich ihnen Projekte – mache 10 Fotos pro Tag, wähle eines aus und erzähle mir, warum du es gewählt hast. Und was sie sich einfallen lassen, ist faszinierend, ich sehe die Welt durch ihre Augen. Ich hoffe, dass ich das mit Leuten machen kann, die auch meine Arbeit sehen; Wenn sie heraustreten, hoffe ich, dass sie sich ihrer Umgebung und der Art und Weise, wie Beziehungen zu Räumen gebildet werden, besser bewusst sind, sagt Begum.

Die Ausstellung im Jhaveri Contemporary, Colaba, Mumbai, findet vom 19. September bis 2. November statt.